Seni jalanan era pandemi bersinar di 'The City Canvas,' pameran baru di Pier 70

Kita semua ingat hari-hari awal pandemi, pada bulan Maret 2020 ketika istilah aneh “tempat berlindung” menjadi cara hidup kita sehari-hari. Tiba-tiba jalan-jalan San Francisco dan Oakland yang sibuk dan sekitarnya menjadi kosong, menakutkan, karena restoran dan toko tutup dan papan kayu lapis menutupi jendela, yang dulunya memiliki pemandangan memikat dari makan malam yang disajikan dan barang dagangan lokal yang keren untuk dibeli, untuk mencegah kerusakan. in dan penjarahan.

Tapi perlahan sesuatu yang indah mulai terjadi di SF dan di kota-kota seperti itu dengan komunitas kreatif yang tidak bisa Anda pertahankan. Seniman turun ke jalan untuk mengubah fasad kayu lapis yang menyedihkan itu menjadi kanvas untuk cat. Mural bermunculan dengan warna-warni pelangi dan pesan-pesan harapan. Alih-alih meniru kehidupan, yang kebanyakan terjadi di balik pintu tertutup saat itu, seni ini bertujuan untuk menciptakan kehidupan di tempat yang sunyi, untuk mengembalikan semangat kembali ke kota.

Hampir dua tahun kemudian, bisnis telah dibuka kembali dan kayu lapis hilang; kita bisa melihat ke dalam jendela sekali lagi. Tapi kita juga masih bisa melihat beberapa mural yang sedang tayang di pameran baru. Mulai Sabtu, 22 Januari, 49 di antaranya akan dipajang di dalam Gedung 12 Pier 70 yang baru saja dipugar, di Kanvas Kota: Lukisan Retrospektif Kekosongan.


Digunakan sebagai situs untuk membangun kapal selama dua perang dunia dan kemudian sebagai tempat untuk pertunjukan dan acara langsung, bangunan industri yang direhabilitasi terasa seperti ruang yang tepat untuk memajang mural besar, terkadang masif, yang tersebar di seluruh penjuru. Empat dari karya-karya itu tergantung dari kasau bangunan yang terbuka; mural yang tersisa telah dipasang kembali untuk mencerminkan penempatan etalase aslinya.

“Breathe” karya Messy Beck, dilukis di etalase berlapis papan dari Cheese Plus Polk Street.(Lisa Vortman)

Setiap karya seni adalah pandangan uniknya sendiri tentang kehidupan selama bagian terdalam dari pandemi, beberapa menghormati pekerja lapangan medis, yang lain sebagai panggilan untuk bertindak, dan banyak yang hanya ekspresi kreatif yang dimaksudkan untuk menawarkan titik terang di masa-masa suram.

Anggota dari kamp terakhir itu adalah artis Nora Bruhn“Keep Blooming”, mural bunga berwarna pastel yang menutupi papan di atas restoran Chez Maman di Lembah Hayes. Bruhn mengatakan dia ragu-ragu pada awalnya untuk menginvestasikan terlalu banyak waktu ke dalam sesuatu yang dia tahu akan menjadi sementara, tetapi kemudian memiliki perubahan dalam perspektif.

“Hidup ini sementara, dan jika saya tidak memberikan segalanya, lalu apa yang saya lakukan?” Bruhn ingat, mengatakan bahwa dia memutuskan untuk “benar-benar akan melakukannya dan memberi orang sesuatu yang indah. Saya tidak akan pernah tahu bahwa mural ini akan membuka saya ke komunitas dengan cara baru dan bermakna, atau bahwa saya akan mengendarai gelombang komisi bunga dua tahun kemudian.”

“Pameran ini merupakan perayaan dari banyak seniman yang menjadi pekerja penting di garis depan pandemi,” kata Shannon Riley, salah satu pendiri dan direktur eksekutif dari Melukis Kekosongan, organisasi nirlaba yang muncul selama Covid-19 untuk mensponsori dan memfasilitasi penciptaan seni publik. “Bahkan pada saat-saat terbaik, seni di ruang perkotaan sehari-hari mengangkat kita dan meningkatkan kehidupan kita sehari-hari. Selama krisis, menjadi lebih penting untuk merayakan kreativitas, kemanusiaan, dan ketahanan kita bersama,” katanya.

Riley, yang perusahaannya Bangunan 180 memproduksi instalasi publik skala besar dan juga bertindak sebagai manajemen dan promosi untuk seniman lokal, bersama dengan pasangannya Meredith Winner, melihat peluang untuk mendukung seniman yang tidak bekerja karena pandemi Covid. Para wanita bekerja sama dengan lembaga nonprofit Seni untuk Wacana Sipil (yang didanai oleh Persimpangan untuk Seni) untuk meluncurkan Paint the Void. Inisiatif ini awalnya didanai dengan sumbangan dari keluarga dan teman-teman dan melalui penggalangan dana Facebook. Akhirnya mereka menerima dana dan hibah kota.

Dimulai dengan tujuan hanya 10 mural, proyek ini sukses instan. Segera tim telah memfasilitasi produksi 150 mural di San Francisco, serta beberapa di Oakland dan Berkeley. Hasilnya: revitalisasi lingkungan yang mati sementara.

“Ini menciptakan komunitas pada saat dibutuhkan,” kata Riley, menunjukkan bahwa daerah yang dulunya sangat diperdagangkan menjadi sama sekali tidak memiliki energi; papan di jendela dan pintu mengirimkan pesan tidak menyenangkan untuk menjauh. “Kami melihat peningkatan jumlah orang yang berjalan di area ini ketika mural dipasang,” kenangnya.

Artis Beck yang berantakan, yang mural “Breathe” untuk toko Cheese Plus Russian Hill dipajang, juga terinspirasi oleh rasa kebersamaan yang ia temukan melalui Paint the Void Project, yang katanya membuktikan “bahwa jiwa kreatif San Francisco masih utuh.” Dia terpukau terutama oleh jumlah orang yang mendekatinya, ingin berbagi cerita mereka sendiri dan berbicara tentang bagaimana seni membuat mereka merasa. “Jika ada satu hal yang dapat diambil dari proyek ini, saya harap orang-orang diingatkan bahwa ruang untuk seni komunal adalah investasi yang berharga dan layak,” katanya, “dan bahwa kita tidak melupakan ini karena harga sewa yang meroket dan transisi kota kembali menjadi mesin untung.”

Dalam kemitraan dengan Pelabuhan San Francisco, Brookfield Properties’ Dermaga 70 pengembangan tampaknya merupakan tempat yang tepat untuk Kanvas Kota. Situs tepi laut multi-bangunan bertujuan untuk mengubah petak Dogpatch yang terlupakan menjadi, pada tahun 2030, pusat kreatif sejati dengan pusat seni, ruang pembuat, dan acara, serta restoran lingkungan dan taman umum.

“Ada kekuatan luar biasa untuk menyadari bahwa semua mural ini ada di seluruh kota di lingkungan yang berbeda dan sekarang semuanya bersama-sama dalam satu ruang,” kata direktur kreatif senior Pier 70, Marcy Coburn. “Anda benar-benar dapat merasakan semua energi yang masuk ke dalamnya.”

Banyak karya seni akan dijual, termasuk dua kolaborasi (“Kelahiran dan Kematian” dan “Sakramen Ilmu”) di antara Brandon Joseph Baker dan Nyonya Henze yang awalnya dipasang di Zeitgeist dalam Misi. Sebagian dari hasil dua karya ini akan digunakan untuk Hospitality House.

// Kanvas Kota: Lukisan Retrospektif Kekosongan buka 22-23 Januari dan 27-30 Januari. Pesan entri waktu gratis Anda (disarankan donasi $10) di pier70sf.com.

.

Source link

Art of the Brick: Pameran Lego epik yang disatukan di San Francisco

Lego bukanlah media pertama yang terlintas dalam pikiran ketika memikirkan seni, tetapi, terima kasih kepada seniman kontemporer Nathan Sawaya, ini adalah sesuatu yang sangat penting. Karya seniman tersebut telah dipamerkan di lembaga-lembaga besar di seluruh dunia dan sekarang koleksinya yang diakui secara kritis dipamerkan di San Francisco.


Penempatan kreatif Sawaya berupa sejuta balok Lego hadir dalam bentuk lebih dari 70 pahatan yang membentuk Seni Bata pameran di gedung bersejarah 1 Grant Avenue dekat Union Square.

Seorang mantan pengacara NYC, Sawaya’s brick-clicking dimulai sebagai hobi untuk mengimbangi hari-hari yang panjang di tempat kerja dan ketika tantangan tumbuh untuk membangun bentuk rumit seperti bola dan kurva, seni muncul.

Koleksi ini menampilkan karya asli serta versi imajinasi ulang dari beberapa mahakarya seni paling terkenal di dunia yang dibuat secara eksklusif dari batu bata Lego, seperti karya Van Gogh Malam berbintang dan Da Vinci Mona lisa, serta galeri yang menampilkan koleksi multimedia inovatif dari fotografi bata yang diproduksi Sawaya bekerja sama dengan fotografer pemenang penghargaan Dean West.

“Tujuan dari koleksi seni ini adalah untuk menunjukkan potensi imajinasi dan daya kreativitas,” kata Sawaya. “Kami sudah lama ingin membawa pameran ini ke San Francisco dan menunggu tempat yang tepat. Kami sangat bersemangat untuk menampilkannya di 1 Grant, tempat yang sempurna untuk debut.”

Berjalan-jalan di samping kerangka dinosaurus T-Rex sepanjang 20 kaki yang terbuat dari batu bata atau bertatap muka dengan tengkorak batu bata raksasa. Pameran ini menampilkan favorit penggemar “Kuning,” patung seorang pria yang merobek dadanya dengan ribuan batu bata kuning yang mengalir dari rongga. Bersiaplah untuk terpesona.

// artofthebrickexhibit.com

Artikel ini disediakan oleh SF/Seni Bulanan editor.

.

Source link

Pameran Patrick Kelly de Young dipenuhi dengan mode yang megah, dan begitu banyak hati

Anda mungkin tidak tahu apa-apa tentang perancang busana Patrick Kelly sebelum Anda memasuki pertunjukan baru di Museum de Young. Tetapi pada saat Anda mengunjungi toko museum, Anda tidak akan pernah bisa melupakannya (atau overall-nya yang menakjubkan).


Patrick Kelly: Landasan Pacu Cinta, pada tampilan hingga 24 April 2022, tidak diragukan lagi akan memperkenalkan ribuan orang pada koleksi, karir, kehidupan, dan warisan desainer yang luar biasa. Dan itulah intinya, kata Thomas P. Campbell, direktur dan CEO Museum Seni Rupa San Francisco.

“Kelly adalah seniman perintis yang menciptakan rangkaian desain yang luar biasa selama hidupnya,” katanya. “Semua orang harus tahu nama Patrick Kelly, dan kami berharap pameran ini melakukan hal itu.”

(Foto oleh Oliviero Toscani; milik Museum Seni Rupa San Francisco)

Singkat cerita (belakang): Kelly—lahir berkulit hitam, gay, dan miskin di Mississippi 1954—belajar menjahit di sekolah menengah dan akhirnya mendarat di Paris melalui Atlanta dan New York, berteman dengan supermodel Pat Cleveland di sepanjang jalan. (Dia adalah penggemar desainnya sekitar tahun 1979.)

Hubungan cinta timbal balik antara Kelly dan City of Light berkembang dan, pada tahun 1987, merek senamanya diakuisisi oleh konglomerat mode Warnaco. Tahun berikutnya, PK menjadi desainer kulit hitam Amerika pertama dan pertama yang terpilih menjadi anggota asosiasi mode Prancis terkemuka Chambre Syndicale du Prêt-à-Porter des Couturiers et des Créateurs de Mode. Label muda Kelly sekarang berada di lingkaran yang sama dengan Chanel, Christian Dior, dan Yves Saint Laurent. Sayangnya hanya beberapa tahun kemudian, pada tahun 1990, kariernya yang menjanjikan terhenti ketika pria berusia 35 tahun itu meninggal karena AIDS.

Kembali ke pameran. Ini adalah pesta untuk mata dan jiwa, membawa pengunjung dalam perjalanan melalui karir dan kehidupan Kelly melalui 80 penampilan head-to-toe dari koleksinya yang menakjubkan. Ke mana pun Anda melihat, ada desain hati khas yang muncul dari gaun, aksen kancing dan pita yang menghiasi gaun body-con berwarna cerah, dan anggukan tak berujung dan referensi langsung (sering ironis) ke inspirasi dan inspirasi desainer Kelly, yaitu Josephine Baker, Gabrielle Chanel , Elsa Schiaparelli, dan Madame Grès.

Namun, tanpa ragu, ikon mode nomor satu dalam kehidupan Kelly adalah neneknya, Ethel Rainey. Dia memupuk kecintaannya pada gaya dengan majalah mode mengkilap yang akan dia bawa pulang dari pekerjaannya sebagai juru masak dan pelayan. Sebagai seorang anak, ketika Kelly terus-menerus kehilangan kancing baju, neneknyalah yang akan menggantinya dengan yang baru, dalam berbagai ukuran dan warna. Bertahun-tahun kemudian, Kelly memberi penghormatan dengan desain kancing yang tidak serasi.

Tampilan instalasi “Patrick Kelly: Runway of Love” di museum de Young di San Francisco.(Fotografi oleh Gary Sexton. Gambar milik Museum Seni Rupa San Francisco.)

Juga tidak mungkin untuk dilewatkan saat oohing dan aahing semua pakaian, aksesori, dan cetakan yang masih terbaca menyegarkan modern: Boneka bayi hitam, irisan semangka, pisang, dan golliwog yang selalu ada, logo kartun wajah hitam. Soalnya, Kelly adalah kolektor memorabilia Black yang rajin. Dia menemukan kekuatan di merebut kembali kiasan rasis ini dan menggunakannya dalam karyanya untuk menghadapi supremasi kulit putih dan menantang ideologi anti-Hitamnya, sambil juga menceritakan kisahnya sendiri sebagai seniman kulit hitam yang aneh.

Untuk menyatakan yang sudah jelas, penggunaan simbol-simbol ini bukannya tanpa kontroversi. “Saya mendapat banyak kritik dari orang kulit hitam, dan dari orang kulit putih, dan dari semua orang tentang siapa saya dan citra saya. Dan dengan orang kulit hitam saya selalu mengatakan, jika kita tidak bisa menghadapi apa yang telah kita lalui, itu akan terjadi. sulit untuk pergi ke suatu tempat,” kata Kelly pada tahun 1989.

Mendobrak batasan dan menginspirasi desainer warna lainnya adalah bagian abadi dari warisannya.

Seiring dengan mode sempurna, koleksi undangan landasan pacu, ilustrasi, foto, dan efek pribadi menyempurnakan kisah Kelly. Video-video peragaan busananya yang semarak yang diisi dengan model-model berwarna, termasuk temannya Cleveland, diproyeksikan di layar di seluruh pameran. Seperti yang lainnya, mereka membantu menempatkan karya Kelly ke dalam konteks mode, seni, politik, dan sejarah yang lebih luas.

Bagaimanapun, Kelly pria itu berbicara lembut dan menawan dengan semangat menular, joie de vivre, dan hati yang besar untuk menyamai bakat dan kecerdasannya yang besar. Setiap bagian ini bersinar dalam mode, dan pameran yang menarik itu sendiri.

“Saya ingin pakaian saya membuat Anda tersenyum,” kata Kelly yang terkenal. Misi tercapai, Tuan K., misi tercapai.

Patrick Kelly: Landasan Pacu Cinta diselenggarakan oleh Museum Seni Philadelphia dan berlangsung di Museum de Young hingga 24 April 2022. Museum ini akan mengadakan sejumlah acara pendamping, termasuk panel virtual gratis yang diselenggarakan oleh André Leon Talley pada hari Rabu, 27 Okt (5 sore): Bekerja Ini: Supermodel dan Superstar Ingat Patrick Kelly.

// Pesan tiket $35) di muka; 50 Drive Kebun Teh Hagiwara (Taman Gerbang Emas), deyoung.famsf.org

“Ansambel Wanita: Atasan Bra dan Rok Pisang” Dirancang oleh Patrick Kelly, Amerika (Paris aktif), c. 1954 – 1990, dan David Spada, Amerika, 1961 – 1996. Dipakai oleh Pat Cleveland, Amerika, lahir 1952. Fall/Winter 1986(Fotografi oleh Gary Sexton. Gambar milik Museum Seni Rupa San Francisco.)

.

Source link

Pameran TeamLab interaktif Asian Art Museum adalah rumah hiburan masa depan

Jika Anda pernah menatap sebuah karya seni kontemporer dan berkata “Anak saya bisa melakukan itu”…atau lebih buruk lagi, “Saya bisa melakukan itu!” Nah, inilah kesempatan Anda untuk membuktikan diri, jagoan.

TeamLab: Kontinuitas, sebuah pameran interaktif yang dipamerkan di Asian Art Museum hingga Februari, menawarkan kesempatan kepada pengunjung dari segala usia untuk berpartisipasi dalam pembuatan karya seni tersebut.


Kontinuitas adalah negeri ajaib digital yang bertempat di dalam museum Akiko Yamazaki dan Paviliun Jerry Yang yang baru. Pengalaman seni yang mendalam menampilkan banjir tanaman dan hewan neon animasi digital, yang diproyeksikan ke dinding dan lantai. Visualnya mengacu pada lukisan kuas tradisional Asia Timur, tetapi cara mereka mengisi ruang tidak seperti tinta di atas perkamen. Banyak proyeksi menggunakan teknologi sensor gerak untuk merespons gerakan pengunjung: bunga mekar dan berhembus melintasi dinding; bibit tumbuh menjadi hidup dengan satu sentuhan tangan; sekawanan burung gagak terbang di bawah kaki Anda saat Anda berjalan-jalan.

“Flutter of Butterflies Beyond Borders, Ephemeral Life,” ‘TeamLab Continuity.’ (Courtesy of Asian Art Museum San Francisco, © teamLab)

Kolektif seniman termasuk animator, arsitek, dan matematikawan, teamLab dibentuk pada tahun 2001 dan telah berkembang seiring dengan perkembangan teknologi. Di mana grup pernah memproduksi video animasi dan patung publik, pameran baru mereka yang imersif adalah hewan yang berbeda dalam hal pengalaman. Selain menghasilkan pengalaman yang semakin radikal, teamLab juga telah berkembang sebagai perusahaan: Pameran permanen mereka di Tokyo, Tanpa batas, adalah museum artis tunggal yang paling banyak dikunjungi sepanjang masa; mereka juga disponsori oleh Volvo dan TikTok. Tetapi sementara mereka telah meningkatkan cakupannya, teamLab mempertahankan estetika yang berakar pada seni tradisional Asia dan terus menciptakan karya yang ditujukan untuk memberikan pengalaman kepada pemirsa yang disebut kolektif sebagai “ultrasubjektif.”

Di dalam Kontinuitas, ini berarti menumbangkan ekspektasi tamasya museum—pemirsa yang diam menatap objek statis. Sebaliknya, kolektif mengubah ruang fisik museum menjadi pengalaman surealis yang pada gilirannya mengubah cara kita berpikir tentang dunia fisik tempat kita kembali ketika kita meninggalkan pameran. Karena Kontinuitas ditampilkan secara real time sebagai respons terhadap penonton, tidak ada dua kunjungan yang sama. Pengalamannya seperti berjalan-jalan melalui rumah hiburan karnaval, penuh dengan cermin yang membelokkan rasa ruang pengunjung, atau kunjungan ke planetarium menjadi ekstra kosmik.

Pertunjukan ini juga menampilkan soundtrack orkestra yang menggelegar dan menggabungkan wewangian bunga di seluruh ruangan yang berbeda. Meskipun elemen-elemen ini tidak interaktif, mereka berkontribusi pada keseluruhan rasa pencelupan. Dan sementara pengunjung langsung tenggelam dalam pengalaman indrawi ini, Kontinuitas benar-benar mengungkapkan dirinya secara perlahan, terbuka semakin lama berada di dalam paviliun. Tanpa keterlibatan yang diperpanjang, sulit untuk menghargai cara elemen-elemen dari potongan itu saling tumpang tindih dan menyerap satu sama lain, berkembang sebagai respons terhadap gerakan di dalam ruang.

Seperti anak-anak yang bermain, pengunjung berinteraksi dengan Kontinuitas dengan cara yang tidak ditentukan dan berkembang secara alami, setiap langkah melalui pengalaman mekar dengan kejutan baru. Warna jenuh dari animasi, yang mengingatkan saya pada sesuatu dari Bladerunner, cukup menawan untuk menarik perhatian seseorang. Perlahan menemukan bagaimana lingkungan merespons Anda memiliki semua pesona dan perasaan permainan. Saya senang ketika sapuan kuas mengalir di lantai, berbunga menjadi anemon laut di bawah kaki saya; mendebarkan untuk menekan tangan saya ke dinding dan menyebabkan kanji melayang untuk menumbuhkan daun atau meledak menjadi bola api.

Seperti judulnya dan seperti yang dijelaskan oleh teamLab dalam pernyataan artis mereka, Kontinuitas adalah upaya untuk membuat kita menghargai keterkaitan dunia alam dan memikirkan cara-cara di mana teknologi menjauhkan kita darinya. Namun, yang mengejutkan saya adalah betapa sosialnya pengalaman itu sebenarnya. Separuh kesenangan adalah menyaksikan pengunjung lain menjelajahi dan bereksperimen dengan lingkungan, memberikan rasa penemuan bersama. Apa Kontinuitas penawaran adalah sesuatu yang sudah dapat kita akses tetapi kita terima begitu saja: rasa heran dan permainan yang dapat melampaui pameran menjadi apresiasi kita atas keajaiban kecil dunia fisik.

// TeamLab: Kontinuitas sekarang dapat dilihat di Asian Art Museum, 200 Larkin St. (Civic Center). Meskipun walk-in terbatas tersedia setiap hari, tiket di muka ($20/dewasa) direkomendasikan. Untuk pemesanan, kunjungi asianart.org.

“Sketsa Lautan”, ‘TeamLab Continuity.’(Courtesy of Asian Art Museum San Francisco, © teamLab)

Source link

Bersiaplah untuk musim panas seni yang panas di pameran baru SFMOMA

“Tidak bisa berhenti, tidak akan berhenti,” kata Art kepada kami di masa pandemi Covid-19.

Selama bulan-bulan kelam itu, Museum Seni Modern San Francisco terus membantu melukis kota dengan nuansa kreativitas yang semarak melalui berbagai pameran virtual dan proyek interaktifnya yang membuat kami terhibur dan terinspirasi—kami sangat menyukai instalasinya. Dekat dengan Rumah: Kreativitas dalam Krisis, serangkaian mural oleh tujuh seniman Bay Area sebagai tanggapan atas gejolak sosial zaman, yang masih terlihat hingga 5 September 2021.

Tetapi ketika California secara resmi dibuka kembali, inilah saatnya bagi kehidupan untuk meniru seni—artinya, inilah saatnya bagi kita semua untuk keluar dan menemukan perspektif baru—IRL! SFMOMA sekali lagi terbuka untuk pecinta seni dan rangkaian pameran musim panasnya cerah.


Berikut adalah lima hal untuk dilihat di SFMOMA sekarang.

‘Nam June Paik’ adalah retrospektif solo Amerika pertama dari artis Korea. (Sumber dari SFMOMA)

Nam June Paik

Lebih dari 200 karya terdiri dari retrospektif komprehensif pertama di tanah Amerika untuk seniman eksperimental kelahiran Seoul Nam June Paik, yang disebut “bapak seni video.” Pikirkan Anda tidak mengenalnya? Nah, jika Anda pernah mendengar tentang “jalan raya super elektronik”, Anda pasti pernah mendengarnya. Paik menggunakan istilah tersebut untuk memprediksi era internet pada tahun 1974, dan karya multidisiplinnya yang memadukan seni, musik, dan teknologi—diciptakan selama lima dekade karier—pasti terasa radikal pada awal kemunculannya seperti yang dirasa relevan saat ini. Dialog antara filosofi dan tradisi Timur dan Barat juga terjalin di sepanjang pameran. Jauhkan mata Anda untuk melihat karya seni ikonik termasuk Buddha TV (1974), di mana Buddha kayu abad ke-18 muncul untuk menonton dirinya sendiri di televisi modern; Taman TV (1974–77/2002), instalasi imersif yang menampilkan lusinan perangkat TV di tengah lanskap futuristik yang subur di mana teknologi terintegrasi dengan alam; dan Kapel Sistina (1993/2021)—instalasi warna-warni yang menggabungkan suara dan gambar dari lusinan proyektor ini memenangkan penghargaan Golden Lion di Venice Biennale pada tahun 1993. //Hingga 3 Oktober 2021, sfmoma.org

Sejarah Masa Depan: Gerbang Teater dan Cauleen Smith

Membayangkan kembali tampilan dan peran perempuan dan evolusi feminisme adalah inti dari Sejarah Masa Depan, sebuah pameran tandem dinamis dari dua seniman yang masih hidup: seniman instalasi praktik sosial Chicago Theaster Gates dan guru, pembuat film, dan seniman multimedia Institut Seni California Cauleen Smith. Gates mengeksplorasi ide Black Madonna melalui gambar arsip dari Kayu hitam dan Jet majalah. Smith membawa frase oleh musisi jazz Alice Coltrane ke berbagai situs yang terkait dengan komunitas dan visi spiritual atau artistik. //Hingga 18 Juli 2021, sfmoma.org

‘Saran Susan O’Malley Dari Diri Saya yang Berusia 80 Tahun’ (2015; tampilan pameran SFMOMA).(Katharine du Tiel, milik SFMOMA)

Suatu Hari pada Suatu Waktu: Susan OMalley dan Leah Rosenberg

Pecinta seni muda San Francisco tahu Leah Rosenberg, jika bukan karena instalasi lokalnya yang penuh warna seperti Pinhole Coffee maka setidaknya untuk karyanya yang memukau sebagai direktur kreatif untuk Pabrik Warna yang digembar-gemborkan. Kurang diketahui, tidak diragukan lagi, adalah persahabatan lama Rosenberg dengan Susan O’Malley (1976–2015), alumnus CCA dan penulis buku 2016 Nasihat dari Diri Saya yang Berusia 80 Tahun. Terkadang kolaborator dipamerkan bersama di together Satu hari pada suatu waktu, instalasi gambar dan cetakan yang semarak di mana kedua wanita itu mengeksplorasi kekuatan seni dalam membawa hal positif ke dalam kehidupan orang-orang. Pameran ini juga menampilkan hadiah baru dari teman dan keluarga O’Malley. // Hingga 2 Januari 2022, sfmoma.org

Optik Kontemporer. Olafur Eliasson, Teresita Fernández, dan Anish Kapoor

Bahasa teori warna yang dikembangkan oleh pelukis Op Art tahun 1960-an berfungsi sebagai dasar untuk empat patung karya tiga seniman internasional terkenal yang sekarang dipamerkan di SFMOMA: Olafur Eliasson, Teresita Fernández, dan Anish Kapoor. Diambil dari koleksi museum, instalasi ini memicu keingintahuan dan keajaiban dengan membangkitkan tontonan alam dan kosmologis seperti pelangi, gua es glasial, dan lubang hitam. Dan TBH, pameran itu menghasilkan operasi Instagram yang mematikan (mengedipkan). //Hingga 27 Maret 2022, sfmoma.org

Kutipan Diego Rivera 1940 ‘Perkawinan Ekspresi Artistik Utara dan Selatan di Benua Ini’ (alias ‘Persatuan Pan Amerika’). (Pencitraan Warisan Budaya)

Pan American Unity: Sebuah Mural oleh Diego Rivera

Mencari sebuah Wow saat? Mulai musim panas ini, salah satu mural paling terkenal Diego Rivera akan menempati seluruh lantai di SFMOMA. Seniman Meksiko awalnya melukis karya berukuran 22 kali 74 kaki berjudul Perkawinan Ekspresi Artistik Utara dan Selatan di Benua Ini (lebih dikenal sebagai Persatuan Pan Amerika) untuk Pameran Internasional Golden Gate 1940 di Treasure Island. Itu adalah lukisan dinding terakhirnya yang dilukis di Amerika Serikat. Sekarang, potongan 60.000 pon lebih yang dilukis pada 10 panel semen kembali menjadi sorotan untuk menceritakan kisah tentang masa lalu, sekarang, dan masa depan solidaritas dan pertukaran budaya selama masa konflik global di Amerika Utara. Lukisan itu juga mencakup pemandangan Bay Area dan memberi penghormatan kepada semangat kreatif para seniman, pengrajin, arsitek, dan penemu. //Musim panas 2021–2023, sfmoma.org

—Anna Volpicelli

// Museum Seni Modern San Francisco, 151 Third St. (SoMa); tiket di muka diperlukan; sfmoma.org.

Source link

Identitas feminis yang aneh menjadi sorotan dalam pameran baru Pusat Kebudayaan China

Ketika pembuat film Tina Takemoto memutuskan untuk membuat film eksperimental tentang lesbian termasyhur di San Francisco Margaret Chung — dokter wanita Tionghoa kelahiran Amerika pertama, terkenal karena membuka klinik medis di Chinatown pada 1920-an dan bermain-main dengan identitas gender — mereka mengira akan seperti itu membuat film lucu yang menggambarkan banyak kontradiksi di latar belakang Chung.

“Saya mengenal Chung sebagai seorang ahli bedah dan lesbian terkemuka, yang dikelilingi oleh para pria dan bintang muda militer AS,” kata Takemoto, seorang profesor di California College of the Arts. “Jadi saya pikir film saya akan menjadi sebuah humor yang mengambil penjajaran antara hasrat lesbian dan militerisme.”


Tetapi setelah mempelajari lebih dalam koleksi arsip Margaret Chung di U.C. Berkeley, Takemoto terkejut menemukan bukti yang menunjukkan perilaku yang lebih meresahkan dalam sejarah Chung, dengan nada gelap.

“Saya menemukan bahwa Chung sangat anti-Jepang,” kata Takemoto, yang merupakan keturunan Jepang. “Itu sulit diterima.” Takemoto juga mengungkap kemungkinan keterlibatan Chung dengan penjualan heroin dan pencucian uang melalui hubungannya dengan Virginia Hill, mantan pacar “Bugsy” Siegel. Informasi baru ini membuat pelaksanaan proyek menjadi lebih menantang.

Cuplikan dari film Tina Takemoto, ‘Insatiable Margaret Chung,’ 2019.(Atas kebaikan artis)

Film yang dihasilkan, Pernah Ingin, (Margaret Chung), sekarang dipajang di Pusat Kebudayaan Tiongkok, bersama dengan karya seni dari sepuluh seniman LGBTQ + lainnya dari diaspora Asia sebagai bagian dari Wanita 我們: Dari Dia ke Sini, sebuah pameran baru yang bertujuan untuk mengeksplorasi agensi dan keanggotaan dalam komunitas queer dan feminis. Pameran kelompok memiliki pembukaan virtual pada tanggal 19 Februari, dengan tujuan untuk membuka ruang galeri batu bata dan mortirnya, yang terletak di Hotel Hilton, untuk umum pada musim semi, tergantung pada pedoman kesehatan negara bagian dan kota.

“Budaya queer Asia adalah tempat yang tak terlihat dalam identitas Asia, jika kita menjelajah ke luar ruang seni dan budaya,” kata Hoi Leung, kurator pameran untuk Pusat Kebudayaan China. “Berbicara tentang identitas queer masih menjadi stigma bagi komunitas dan keluarga Amerika-Asia. Di Pusat Kebudayaan China, kami cukup jujur ​​tentang hal itu, dan siap untuk mendidik komunitas, sementara orang-orang belum siap menerimanya.”

Selain karya Takemoto, pameran ini menampilkan film, video, lukisan, foto, dan koleksi zine LGBTQ + yang dikurasi dari seluruh dunia yang dikumpulkan oleh Queer Reads Library, serta lokakarya virtual interaktif seperti kelas pembuatan zine yang dijadwalkan untuk musim semi di bawah tema “Membangun Ruang Aman yang Kreatif”.

Hoi memesan beberapa karya asli untuk pertunjukan itu, termasuk instalasi atmosfer yang mencolok oleh seniman Korea yang berbasis di Bay Area, Heesoo Kwon, yang karyanya mengeksplorasi agama otobiografi, Leymoosum, di mana feminisme telah menggantikan patriarki sebagai tatanan dunia baru. Untuk instalasi media campuran, sang seniman menggunakan foto asli dari ibu dan neneknya yang ditumpangkan di atas tubuh telanjang digital yang ditampilkan pada layar yang lebih besar dari kehidupan berinteraksi dengan imajinasi feminis Chinatown.

Karya-karya lainnya termasuk karya yang ditugaskan oleh seniman lokal Chelsea Ryoko Wong, yang menciptakan serangkaian lukisan berwarna cerah yang berfokus pada ruang bersejarah yang aneh di Chinatown seperti Li Po Lounge, yang pernah berfungsi sebagai bar LGBTQ yang aman di tahun 1940-an, selama era ketika komunitas gay dan lesbian merasa lebih terlindungi di Chinatown daripada di tempat lain.

Chelsea Ryoko Wong “Mandi di Jalan Valencia,” 2021. (Atas kebaikan artis)

Film dokumenter pemenang penghargaan 1997, Sambal Belacan di San Francisco, oleh Madeleine Lim, penduduk asli Singapura dan pendiri Proyek Seni Media Wanita Queer, mengeksplorasi pertanyaan: bagaimana menciptakan rumah di negara baru ketika negara asal Anda tidak memungkinkan Anda untuk menjadi diri Anda sendiri? Film tersebut dilarang di Singapura pada tahun 1998.

Angsuran lain, “Jas dan korsase,” berasal dari seniman Taiwan Huang Meng Wen, yang mengeksplorasi kisah sejarah 13 wanita di Taiwan yang mengenakan jas pria pada tahun 1950-an. Dalam sebuah potret keluarga yang dibayangkan, salah satu tokoh wanita sentral ini digambarkan dalam lingkungan rumah tangga, mengenakan setelan jas bersama suami dan ketiga anaknya, dengan foto-foto dari semua kekasih wanita sebelumnya di dinding di belakangnya. Pembingkaian mencoba untuk menyampaikan kehidupan subjek yang terpecah dalam satu gambar tunggal.

Film Takemoto adalah karya terakhir di ruang galeri; Eksplorasi selama enam menit ke dalam keinginan queer di tahun 1930-an dan ’40 -an menggunakan teknik sinematik yang menggabungkan rekaman arsip pesawat perang, hiu, bunga poppy, dan prosedur rumah sakit, dilapisi dengan bahan seperti cat kuku, lem, selotip, atau gambar dari slide yang ditemukan ke film 16mm untuk menciptakan tekstur, memberikan kualitas film seperti mimpi yang halus.

Selama proses pembuatan film, Takemoto berbagi bahwa dia benar-benar merangkul dan memahami Chung, meskipun sebelumnya dia ragu.

“Sisi gelapnya yang anehnya membuatku lebih berempati kepada Chung sebagai seseorang yang super rumit. Sekarang aku mengerti dia dalam hubungannya dengan betapa sulitnya menjadi orang Asia-Amerika yang aneh yang ingin melakukan hal-hal luar biasa, tetapi selalu. orang luar. Dia sangat termotivasi oleh keinginannya untuk menyesuaikan diri, dilihat dan dirayakan, tetapi dia tidak pernah mendapatkan apa yang diinginkannya. “

Dengan pameran yang akan tetap terbuka untuk umum hingga 28 Agustus 2021 ini, Chinese Culture Center berharap dapat menyediakan tempat yang ramah di mana komunitas queer Asia dapat memperoleh apa yang mereka inginkan: merasa dilibatkan dan dilihat.

// Wanita 我們: Dari Dia ke Sini ditampilkan secara virtual melalui Pusat Kebudayaan Cina, 750 Kearny St. (Pecinan); check situs web untuk kunjungan dengan janji selama beberapa minggu mendatang, menunggu status pembatasan Kota, cccsf.us.

Artikel ini ditulis oleh Jenny Jedeikin untuk SF / Seni Bulanan. Jedeikin adalah penulis yang tinggal di Bay Area Rolling Stone, The San Francisco Chronicle, The Advocate, Curve, Whole Life Times, Oh Comely dari Inggris, dan dot429, di antara outlet media lainnya. Dia juga membuat komik selfie strip, “JennyLive.”

Source link